the NachtKabarett

Todos los textos & contenidos © Nick Kushner Salvo los expresados contrariamente. Traducción por María Cruz (aka Dark Mary)

 

Pincha sobre las imágenes de arriba para conocer las diferentes influencias de la era The High End Of Low.

 

 

Destinado a convertirse en un elemento básico en el panteón musical de todo fan que se precie, el séptimo álbum de estudio publicado por Marilyn Manson (titulado The High End of Low), resonará indudablemente en la cabeza de muchos por su intensidad, cruda emoción y su intensa entrega vocal, todo ello respaldado por un paisaje sonoro infernal y destacando las ya conmovedoras y características observaciones de Manson sobre la vida, el amor y la pérdida.

Sin embargo, el aspecto base más evidente y recurrente de Marilyn Manson es la dicotomía, y en referencia a esto, con prácticamente todas las facetas imaginables de la portada del álbum como testamento de la historia dicotómica de Manson, The High End of Low no es una excepción.

 

Notablemente el título en sí mismo es dicotómico, ya que establece la oposición de lo alto y lo bajo. Más allá de esto sin embargo, Manson evoca la leyenda cinematográfica tanto por el título del álbum, como por la disposición de las letras del título.

El aclamado director Akira Kurosawa de "Tengoku to Jigoku", – o de "High and Low", tal como aparece titulada la película en las ediciones en Inglés – es notablemente una influencia.

Cubierta para la reedición de la Colección Criterion de “High and Low” y su director, Akira Kurosawa.

Además del paralelismo de sus títulos, existen semejanzas estilísticas casi idénticas en los caracteres de la portada de la reedición de la Colección Criterion de la película y el álbum de Manson, fortaleciendo así la naturaleza no casual de este hecho.

Imagen comparativa del rótulo entre el “High and Low” de Kurosawa y el “The High End of Low” de Marilyn Manson.

Los paralelismos se extienden aún más. Si bien el título en inglés de la película es High and Low, la traducción literal de Tengoku a Jigoku sería Cielo e Infierno (Heaven and Hell). Este título literal está notablemente acorde con la portada del álbum, la cual está saturada de azules y rojos – dos colores asociados a lo divino y lo infernal. Asimismo, en la mitología hindú, el azul es utilizado para representar divinidad, ya que es visto como el color del infinito (el cielo y el aparentemente interminable océano, por ejemplo).

La piel azulada de las deidades hingúes, Krishna y Kali, es una característica física que es símbolo de divinidad e iluminación. Ésta es otra correlación con la piel azulada de Manson en el trabajo de arte del álbum, que da la impresión de ser más que una “apariencia azulada” como representación de la depresión. Como el álbum representa la redención final de Manson, después de “la caída en desgracia”, él se autocorona con un halo rojo como inversión a la variante tradicional cristina. Por así decirlo, ilustrativo de “reinando en el Infierno”.

El recién ascendido Manson con piel de color azul y auto-bautizado con el halo invertido del Anticristo

Volviendo a la película, el carácter dicotómico de High and Low está trabajado sobre una serie de niveles, por lo que no debería ser una sorpresa que la película tuviera una notable influencia en Manson. El ejemplo más evidente de la dicotomía de la película (aparte del título) puede ser el hecho de que ésta se basa principalmente en dos argumentos principales, que se convierten en uno en la escena final:

Primera historia: Gondo es un hombre de negocios que se enfrenta a un gran dilema moral cuando un niño es secuestrado y se exige como rescate una gran suma de dinero. El problema es que Gondo necesita el dinero para poder seguir en el negocio. Esto le crea un dilema ético, el cual le hace elegir entre continuar con su vida de riqueza y lujo a costa de ser un sagaz hombre de negocios y un ser humano frío, o sacrificar todo en beneficio de los demás?

Segunda historia: Detalles de las proezas del secuestrador, que droga y mata a sus cómplices, juega al ratón y al gato con el detective, y finalmente es capturado y arrestado.

Es en este punto de la película en el que dos argumentos se convierten en uno y Gondo y el secuestrador se encuentran cara a cara. Nos enteramos de que el secuestrador es un miserable médico interno de un hospital local, impulsado por el odio desmesurado por las diferencias de clases entre ellos. Mientras Gondo había vivido una vida cómoda en lo alto de una colina en una tentadora mansión, el secuestrador había estado viviendo en la parte inferior de la colina, en el infierno de la miseria de un pequeño apartamento, consumido por el calor abrasador y rodeado de drogas y desorden. Esto es el High and Low al que elude el título de la película.

Derecha; la cara de Manson en la red – la foto final en el arte de The High End of Low.

En esta última escena, Gondo y el secuestrador se sientan en lados opuestos de la pantalla con el reflejo de los dos continuamente mostrado sobre una red; esto es un sutil juego dicotómico de trasfondo de la película y muestra la capacidad de cada hombre de convertirse en el otro. Mientras que Gondo se muestra tranquilo y casi sin emociones, el secuestrador tiene una actitud completamente opuesta a Gondo. Además, Gondo continuará viviendo, mientras que el secuestrador será conducido a la muerte. Los elementos dicotómicos de High and Low se conservan hasta el final.

Vale la pena mencionar que la última foto con la cara de Manson dentro de la red en el trabajo de arte de The High End of Low es paralelo a la escena final de High and Low

Mientras que la red en el trabajo de arte del álbum puede decirse que, al menos parcialmente, es un acercamiento a la red de High and Low, existe un vínculo aún más estrechamente relacionado que debe ser mencionado:

Peter Murphy de Bauhaus tocando La Muerte de Bela Lugosi – una canción que Manson ha admirado abiertamente como el himno gótico (y a la que se refirió mientras trataba de crear un nuevo y moderno himno (If I Was Your Vampire)) – en las primeras escenas de The Hunger, otra película por la que Manson ha expresado admiración.

Otra posible influencia en el título del disco puede estar relacionada con uno de los artistas que más inspiran a Manson: David Bowie. Bowie publicó una obra maestra en 1977 de nombre Low. Si el título de Manson es, al menos parcialmente, un reconocimiento al álbun de Bowie, no sería totalmente infundado, ni siquiera sería la primera referencia a Low; un tema de Mechanical Animals – “The Speed of Pain” – se apropió del título de un tema del álbum Low de Bowie – “The Speed of Life”.

Pasando al contenido religioso. Además de que la traducción literal de Tengoku a Jigoku sería Cielo e Infierno (Heaven and Hell), en la tienda online de Manson se ofreció una camiseta como artículo limitado para aquellos que encargaran el álbum con antelación. Ésta representa la cubierta del álbum ligeramente modificada, con la imagen manipulada para representar una corona de espinas sobre la cabeza de Manson. La camiseta se llama “Cristo de Neón” (Neon Christ), y recuerda a una camiseta que se diseño en 1997 con ese mismo tema.

Izquierda: representación tradicional de la Virgen María y el Cristo niño . Derecha: una de las “auténticas” estatuas sangrantes que llora lágrimas de sangre por los pecados del mundo. Esta particular María de neón reside en la Iglesia de los Mártires Vietnamitas Católicos en Sacramento, California. Hay que considerar el contexto religioso de las letras de Devour, "You're not crying, this is blood all over me" (No estás llorando, estoy cubierto de sangre)

Izquierda: camiseta de la Era 'Antichrist Svperstar', en torno a 1997, representando a Manson con un halo de neón similar, destacando su naturaleza artificial y corrupta (para más información ver nuestro artículo Imitación de Cristo (Imitation of Christ) de la sección The Occult de The Nachtkabarett) y el fondo marcando un mismo Christogram alterado. Derecha: una toma de la misma sesión fotográfica.

Este tema se puede extrapolar, ya que Manson tiene el aro de neón sobre su cabeza como un modelo de halo, que confiere la condición de divinidad o iluminación, lo cual se representa muy a menudo en obras de arte religioso, aunque esta vez con un giro un poco siniestro. A diferencia del halo de oro, el suyo es rojo. Muy parecido es el hecho de que Manson invierta la posición tradicional de las manos en su imagen como el Baphomet, una vez más Manson asume una postura divina, pero invirtiendo su naturaleza y estableciendose a si mismo como un anti-Cristo hostil y con papel de villano.

Una posible final conexión religiosa puede estar en el propio nombre de Marilyn Manson, o más específicamente, en la forma sistemática en que se muestra en todo lo relativo a The High End of Low. Se puede observar en estos gráficos que las letras más destacadas en el nombre de Marilyn Manson deletrean MAN (hombre). Esto podría ser un reconocimiento a la caída bíblica del hombre, o también podría referirse a “El Hijo del Hombre”, el juez cósmico del que habla Jesús quien aparecerá al final de los tiempos para juzgar a los vivos y los muertos. Estas dos posibles interpretaciones de la Biblia, ponen de relieve la dicotomía entre el hombre y su creador, los de arriba y los de abajo, y su relación entre sí. Una interpretación menos religiosa podría ser que se intenta destacar más lo personal, la calidad humana del álbum.

Teniendo todo esto en cuenta, “The High End of Low” podría tomarse como una confesión descarada de lo que uno es; un reconocimiento pleno y sin arrepentimientos de los acontecimientos ocurridos, alguien que es peyorativamente considerado como bajo, pero que con esfuerzo se supera, pasando de este modo a ser el extremo más alto del punto más bajo.

 

 

Desde el comienzo, los números de Marilyn Manson han desempeñado un papel integral en los aspectos más sutiles de cada álbum, unificando grandes temas y conceptos a través de la repetición y la importancia de ciertos números. El decimoquinto y último tema de The High End of Low es uno de los más notables resurgimientos del número quince desde su abrumadora presencia en la era de Mechanical Animals.

15 se basa en un paisaje etéreamente obsesivo, donde la vulnerabilidad y las tribulaciones previas son descartadas en favor de la fuerza personal, la transformación y la voluntad inflexible de seguir adelante. La rápida sucesión de la muerte y la resurección de las letras “Ayer sólo pensaba en la muerte/pero hoy es mi cumpleaños", establece el tono completo del tema, que es una afirmación de esperanza y de resolución, y una promesa de no ponerse en peligro a sí mismo independientemente de las posibilidades, como de manera tan sucinta y honesta así lo expresa, “Esta vez no dudaré en matar para proteger en lo que creo”.

Las palabras finales del álbum son tan auto-afirmantes que rayan la venganza y la retribución – “No permitirte ganar, no me va a satisfacer / Te voy a enseñar lo que significa perder”.

Este concepto de no sentirse simplemente satisfecho con superar al enemigo, sino de tomar las medidas adicionales necesarias para asegurarse de que comprenden de manera dolorosa las repercusiones de sus actos y el verdadero significado de una perdida, puede disparar alarmas enre los amantes del cine, como en el tema central de la película El Cabo del Miedo (Cape Fear).

El Cabo del Miedo se ha convertido en película en dos ocasiones notables, una vez en 1962, y otra en una bella nueva versión en 1991. Con algunas diferencias de poca importancia, ambas están centradas en este concepto de retribución del que hablamos. Como la versión de 1991 es más relevante para nuestro debate, nos centraremos en ella.

En la adaptación de 1991, por Martin Scorsese, un ex defensor público es objeto de amenazas y hostigamiento por parte de un violador (y ex-cliente) llamado Max Cady, que busca venganza contra Bowden por ocultar deliberadamente las pruebas que podrían haber absuelto a Max.

Max se enfrenta a Bowden poco después de ser liberado de la cárcel, y le dice: “Vas a aprender lo que es perder”. Es esta declaración sobre la que gira toda la película – el concepto de pérdida de un hombre como castigo por sus fechorias (en la edición de 1991, esto se ve reforzado por las creencias religiosas devotas de Max, en donde él utiliza la escritura para validar su búsqueda de retribución divina). La línea, “vas a aprender lo que es perder” aparece en varias ocasiones, y Bowden se fija en ellas, sabiendo muy bien el potencial destructivo que Max posee.

Para reforzar el clímax de la película, Max ofrece un poderoso discurso invocando a Dante (a quien Manson ha hecho referencia en varias ocasiones, además de incluir una ilustración basada en la Divina Comedia de Dante, en The Long Hard Road Out of Hell), y trata de ofrecer lo que él ve como de justicia divina por ser encarcelado:

Para obtener más información sobre el uso de Manson del número 15 y de la numerología, consulta el artículo de 15 en The NACHTKABARETT.

 

 

Marilyn Manson siempre ha tenido una inclinación por el cine. El mismo nombre de Marilyn Manson se puede desgrosar como una mezcla de Marilyn Monroe (una de las actrices más reconocibles del mundo) y Charles Manson (quien, entre otras cosas, había matado a una prometedora actriz llamada Sharon Tate, arrebatada a su marido, el director de cine Roman Polanski). Pero el amor de Manson por el celuloide se extiende mucho más allá de su nombre. Desde la intención inicial de convertir Holy Wood a la gran pantalla, a las decenas de innumerables películas evocadas, líricamente hechas referencia y adaptadas dentro del trabajo de arte de sus álbumes a lo largo de los años, el anuncio de Phantasmagoria, es evidente que el cine siempre ha sido un medio por el que Manson ha tenido interés personal. Hay que considerar también su pieza complementaria en The Golden Age of Grotesque, el cortometraje Doppelherz, donde Manson representa una metáfora conmovedora sobre el paralelismo entre su vida y el cine.

Si bien cada álbum de Manson ha sido al menos parcialmente influenciado por el cine (sobre todo en las muestras utilizadas y las referencias evocadas), nunca esto ha sido tan común como en The High End of Low

La calidad cinematográfica del álbum se ha mencionado, tanto directamente por el propio Manson, como por estar al frente de gran parte de la carátula del álbum (en el que Manson se muestra en una serie de celdas de celuloide), el mismo CD (que está diseñado como un rollo de película), y en el contenido lírico. Está fuertemente referenciado en el tema “I Want to Kill you Like They Do in the Movies”:

Sin embargo, todavía hay más referencias a películas dentro de la canción,

Se pueden encontrar otras referencias al celuloide en las letras de apertura de Into the Fire...

...y de una manera indirecta, la versión alternativa de Four Rusted Horses es llamada muy adecuadamente “Four Ruste Horses (Opening Titles Versión)”, que hasta ahora se ha tocado como introducción en los conciertos de la gira High End of Low en 2009.

Capturas de pantalla de Evan Rachel Wood en la película “La Vida Ante Sus Ojos”, una historia que narra los acontecimientos que tuvieron lugar hace quince años, en los cuales Diana (Evan Rachel Wood) es tiroteada prematuramente por casualidad en una escuela.

Otra referencia indirecta al cine se puede encontrar en la segunda canción “Pretty as a Swastika”, donde el título hace referencia encubierta a Leni Riefenstahl, un prominente y más que notable director por su película El Triunfo de la Voluntad (The Triumph of the Will) (para más información sobre este tema, pincha aquí).

También cabe destacar que en las interpretaciones de The Dope Show en el tour 2007-2008 Rape of the World, se mostraban cámaras/proyectores a las cuales Manson canta como si fueran personajes.

 

 

Una de las cosas más importantes que aparecen en la primera imagen promocional en línea para The High End of Low, así como en el libreto del álbum, las grandes letras garabateadas en el dormitorio de Manson que dicen: “QUIERE SALIR AHORA. LOS CAMBIOS NO GUARDADOS SE PERDERÁN.” Es probablemente una referencia a la película de 2007, The Nines, que saca su título de la prevalencia y repetición del número nueve a lo largo de la película.

En el primero de los tres actos, nuestro protagonista, Gary, se encuentra preocupado por la repetición constante del número nueve en su vida, lo cual no le deja resignarse a que sea algo casual y fortuito, sino que también empieza a encontrar cosas – como los mensajes escritos por él mismo – que en realidad él nunca escribió. Él también se muestra desde el principio conduciendo su coche junto a otras dos figuras semejantes a él en el asiento trasero. Después de una serie de no-coincidencias, Gary finalmente se enfrenta a una buena amiga llamada Margarett, de quien él sospecha. Para entenderlo mejor:

El segundo acto de la película concluye con el protagonista (esta vez llamado Gavin) teniendo una revelación, en la que cuando él mira arriba sólo ve el número nueve flotando sobre su cabeza (confirmando como ciertas las palabras de Margaret de que todos los humanos se muestran como sietes). Finalmente, la imagen se aleja para verse a si mismo como dentro de una pantalla. A continuación, aparece el siguiente mensaje como en un cuadro de dialogo de una computadora.

Contraste con un primer plano de lo que está garabateado en las paredes del dormitorio de Manson

Otro elemento de la película que paralela a Marilyn Manson y su afición por los juegos de números. La película está narrada en tres actos. Cada acto tiene tres personajes principales. Estos tres personajes son siempre de nombre similar:

Su aspecto es siempre muy similar, ya que se revela que coexisten dentro de la construcción de un universo paralelo. La suma de los tres personajes en todas sus encarnaciones es notablemente nueve. El nueve también aparece con frecuencia en lanzamientos de dados, periódicos, diálogos, mensajes escritos, en los juguetes de los niños, e incluso en la tipografía gigante que identifica su estado. Además, The Nines parece ser una presentación moderna de ls visión del filósofo Leibniz de que el mundo en el que vivimos sólo puede ser el mejor de los mundos posibles. De hecho, en el primer acto, Gary aparece tratando de leer Cándido (una obra de Voltaire, que satiriza en gran medida este punto de visto de Leibniz).

Tópicamente, dos de los temas principales de la película, que paralela que The High End of Low es la reaparición de la perdida (ya sea de amigos, relaciones o la mortalidad de Gabriel en el tercer acto), junto con la gran oportunidad para la transformación y el cambio – dos temas que son frecuentes en The High End of Low.

Contenida dentro de la carátula del álbum – en el dormitorio de Manson – bajo la doble cruz improvisada y debajo de “QUIERE SALIR AHORA. LOS CAMBIOS NO GUARDADOS SE PERDERÁN”, se encuentra la orden “QUEMAR TODOS LOS DIOSES DE MADERA”, una referencia bíblica tomada del libro deuterocanónico del Antiguo Testamento, el Libro de Baruc. La parte del texto a la que se refiere Manson se encuentra en el sexto capítulo, un capítulo excluido de algunas biblias, pero sí incorporado en muchas de las reverenciadas y queridas por las sectas católicas y ortodoxas. Este capítulo sexto improvisado también se conoce como la Carta de Jeremías, y la tradición dicta que Jeremías fue el amigo y secretario personal de Baruc. El texto habría sido escrito para los exiliados que fueron capturados por Babilonia bajo la cautelosa orden de mantener su devoción al SEÑOR y condenar a todos los “dioses de madera” (figuras de otras deidades que fueron talladas a mano), lo que Jeremías no consideró como otra cosa que como idolatría.

 

 

En el libreto de The High End of Low, se descubre públicamente por primera vez el nuevo tatuaje de Manson conocido como el “Corazón de Tursas” (procedente de la palabra finlandesa “tursaansydän”). Dos de sus variantes de nombres finlandeses: mustekala (pez de tinta) y meritursas (pulpo), reflejan el carácter general de tratarse de un monstruo marino totalmente malévolo y violento. La mitología finlandesa también lo califica como el padre de las enfermedades, quien podría escupir proyectiles mortales de suciedad y pestilencia. Según diversas fuentes, Tursa puede o no puede haber sido asociado con un dios de la guerra.

El Corazón de Tursas /Tursaansydän es un antiguo símbolo de buena fortuna y sirve para ahuyentar las maldiciones y otras vejaciones. Se remonta a tiempos prehistoricos y, en general, toma forma de cuatro símbolos superpuestos (normalmente cuatro flechas o cuatro cuadrados), que crean una esvástica en su centro.

Se ha sugerido que el símbolo querría indicar un estado constante de movimiento y rotación a la vez que gira sobre si mismo, como el legendario martillo de los dioses del trueno, Thor. Otros lo toman por su valor etimológico literal, y lo creen ser el corazón de Tursas – la misma fuerza vital de la divinidad en sí mismo.

En cuanto a la esvástica, la cual está integrada en todas las descripciones del Corazón de Tursa, no debería ser ninguna sorpresa que Manson haya adoptado desde hace tiempo una fascinación por los ideales, ejecución histórica y paralelismos entre la aparente dicotomía del fascismo y el expresionismo, desbancando a los telepredicadores de América cada vez que se sube al podio. La evocación ahora permanente de la esvástica a través de su cuerpo, puede ser una declaración pronunciada de la dualidad del fascismo y el expresionismo, por la que ha sido iluminado durante más de una década. Esto es bellamente insinuado en la yuxtaposición de la bandera de los Estados Unidos con el casco de la SS que Manson tiene puesto en la fotografía.

Manson's Símbolo Shock de Antichrist Svperstar de Manson y pentagrama del Bahomet de Eliphas Lévi. Las letras hebreas de alrededor, que Manson rediseño después del pentagrama original de Levi, representan a “Leviatán”, encarnación marina de Satanás en el Antiguo Testamento de la Biblia, la serpiente de las profundidades.

Izquierda; diagrama del "Anticristo Vitruviano" procedente del trabajo de arte del interior del álbum epónimo, también rodeado de letras hebreas deletreando “Leviatán”. Derecha; “La Destrucción de Leviatán”, grabado en 1865 por Gustave Doré. Para más información sobre las bestias Satánicas de Mansón y las encarnaciones del Anticristo a través de las diferentes eras de la banda, visita La Tercera y Última Bestia (The Third and Final Beast) en The NACHTKABARETT.

Y al igual que Manson ha exhibido biblias, quemado banderas y ha arrancado las páginas de la Biblia en el escenario, este hecho puede ser otro recordatorio de que los símbolos no son por sí mismos ofensivos y no son capaces de producir mal alguno. La malevolencia sigue siendo competencia exclusiva de la humanidad.

Para más información sobre los flirteos de Mansón con la imaginería fascista, consulte la sección Arte “Degenerado" y Fascismo (“Degenerate” Art & Fascism) de The NACHTKABARETT.

 

 

Exploración de temas de amor, pérdida, destrucción y reconstrucción, The High End of Low, es sin duda, uno de los álbumes más potentes y transformadores de Manson. Y como refleja la lista de canciones, y el orden en el que el álbum fue escrito, cuando hablamos sobre el inicio de The High End of Low, estamos hablando, en esencia, de la primera pista –Devour—y las circunstancias que rodean su creación. Los siguientes fragmentos, citas y entrevistas, esbozan las motivaciones e inspiraciones catárticas, que sirvieron de catalizador final para la composición de The High End of Low.

Manson tocó brevemente el tema sobre la serie de acontecimientos que inspirarón la canción en su entrevista con Revolver en junio de 2009.

El final de su relación con Evan Rachel Wood marcó un momento especialmente dificil para Manson,

El período de tiempo que pasó solo y aislado, ya que todo se derrumbaba en torno a él, se hizo muy largo,

Manson habló con franqueza sobre sus sentimientos de abandono y de ser dejado de lado,

A pesar de la dureza del momento, el período de aislamiento fue un período de transformación para Manson,

Todos esos acontecimientos sirvieron como un catalizador para The High End of Low – y para la propia confesión de Manson, el hombre que canta al comienzo del álbum, “Y te querré, si me dejas”, es una entidad extraña de Manson, quien termina el álbum con “Te voy a enseñar lo que significa perder”.